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WYNWOOD ART LAB FACTORY #WYNWOODARTLAB


Wynwood Art Lab inicia su andadura a finales del 2014, con una clara finalidad, el intercambio artístico entre artistas del mundo con España y viceversa.

La línea expositiva de Wynwood Art Lab se asienta en el dibujo, ya que  el fundador del grupo Bybossy es el reconocido Landscape architect and entrepreneur Artur Bossy, quién realiza bocetos a mano para todas sus creaciones y aprecia este arte especialmente. En palabras de Le Corbusier:''Prefiero dibujar a hablar. Dibujar es más rápido, y deja menos espacio para la mentira''. El dibujo es pues el primer peldaño que le llevó a entender el arte , como plataforma para el intercambio de sensaciones, sensibilidades, riesgo y creatividad entre los seres humanos. Del dibujo a Wynwood Art Lab...

Nuestros artistas en exclusiva disponen de nuestro excepcional  laboratorio de Arte en la calle Valencia 300 de Barcelona, España, como espacio estable de representación y son presentados en un recorrido prefijado (no limitado); Barcelona-Madrid-Mallorca-Ibiza-Santo Domingo-Miami y Nueva York son las sedes más estables. Los lugares, aquellos que más bien sintonizan con el espíritu de la obra de cada uno de los artístas.

Bienvenidos a nuestro Art Lab, bienvenidos a nuestro mundo, subid a la nube de Bybossy&Partners Group .

Noel Luine
Wynwood Art Lab Curator

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Principales acciones 

Galeria de Arte (Laboratorio de Arte (Art Lab) estable.

Exposiciones de Arte.

Comisariado de Arte.

Arte solidario.

Alquiler de obras de arte. 

Mecenazgo. 

Performances. 

Agenda cultural (según calendario festivo de la ciudad de Barcelona)

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IRIS VIVIANA PÉREZ ROMERO


Iris Viviana Pérez es una artista dominicana enamorada de los elementos de la naturaleza y de la expresión de sus sentimientos a través del arte. Aun siendo una artista multidisciplinar, existe un elemento base para toda su obra, el dibujo, catártico y terapéutico para ella. En su obra encontramos una mirada lineal o circular a la infancia con un concepto maduro, unas necesidades humanas, a través de un trazo a veces naif. La artista dominicana se distingue por un estilo cada vez más personal, con una obra rica, abundante y comprometida, que pone de manifiesto el placer de crear e investigar. La obra no es solo pensamiento, es modo de querer, modo de ver y modo de querer ser.” – Almudena Ríos (periodista e historia del arte). 

Iris Viviana Pérez Romero, nace en Santo Domingo el 17 de diciembre de 1967. Es egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes  y de la Universidad Autónoma de Santo Domingo. Ha realizado estudios especializados en pintura, dibujo, escultura, cerámica, grabado, historia del arte y performance. Representó a la República Dominicana en las Olimpiadas del Arte, organizadas por ARTIADE en el marco de los Juegos Olímpicos Atenas 2004.

Desde el 2000, participa en la muestra Women of the World, con una ruta itinerante en diferentes museos, galerías y centros culturales del mundo. En el 2004, fue seleccionada por la organización ARTIADE para representar al país  en las Olimpiadas del Arte, evento que se organiza con motivo a los Juegos Olímpicos “Atenas 2004”.  Ha sido declarada Visitante Distinguida por el alcalde de Tegucigalpa, Honduras, en la Reunión Interregional de la AIP-UNESCO, en donde le fue otorgada la llave de la ciudad. Por su instalación-performance “Danza del Hambre” recibió una medalla de reconocimiento de la FAO. Fue invitada para ser jurado en los premios Ford Conservación y Medio Ambiente en la versión del 2005. Participó en 2007 en los proyectos de artista en residencia LE PARC, Pampelonne, Francia y PAF, Reims, Francia. En el 2009, fue Co- fundadora del Laboratorio Evolutivo de Arte Contemporáneo. Ha estado como artista en residencia y participado en ferias, bienales y proyectos internacionales en distintos países de Centro América, Norte América, Sur América, Europa y Asia.

Ha sido seleccionada para representar la República Dominicana en las IV, V, VI Bienal Internacional de Arte de Beijing, en el Museo Nacional de Arte de Beijing, China, durante los años 2010, 2012 y 2015. A partir del 2011, realiza el Monumento escultórico “Luz del Mundo”, en Santo Cerro, La Vega, República Dominicana comisionada por el Ministerio de Turismo, y participa al Festival de Arte Latinoamericano dedicado a la República Dominicana en Bruselas, Bélgica.

De 2012 a 2014, participa en varias muestras colectivas internacionales como Global Village, Alkmaar, the Netherlands; Kulturhuset Brønden, Copenhagen; Artistas Dominicanos en Presente, Maison de l’Amérique Latine, Principado de Mónaco; Global Village (Muestra colectiva itinerante entre Holanda, Alemania Dinamarca); IV Bienal Latinoamericana del Bronx, Bronx Space of Art, New York, USA; Miami Mix Art Basel, Wynwood Warehouse Project, Miami, Florida, USA; Primavera-La Casa Negra, Soto de Dego, España. En 2015, organiza “Bullying, Grooming & Sexting” - An awareness ExhibitMuestra patrocinada por Orgullo@UCI en la sede Newsport de Univision (en un acto conducido por la comunicadora María Elena Salinas, siendo ésta la primera vez que UNIVISION extiende una invitación a un artista plástica del continente). En 2016, presenta La mujer en el desarrollo sostenido” en la Sede de la UNESCO en Paris, Francia; y en 2017 expone su nueva obra “Anatomía del Ser” en el Museo de Arte Moderno, Santo Domingo, además de participar en las colectivas en España “#4AlmasSobrePapel”, Wynwood Art Lab, Barcelona y “Identidades del laboratorio de arte”, Skellig Brown, Madrid. 


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PILAR ALONSO


Pilar Alonso nace en Vigo. Se licencia en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Becada como pintora pensionada en el Paular de Segovia, cursa estudios de postgrado con una beca de la Fundación Pedro Barrié de la Maza en la Städelschule de Frankfurt con el artistaPer Kirkeby. A lo largo de su carrera ha expuesto en galerías y espacios de España y Alemania como el Kunstraum Bethanien de Berlín, La fundación Nova Caixa Galicia de Vigo, la Galería Benot de Cádiz, la Galería Barbara von Stechow de Frankfurt am Main , la Galería Ana Vilaseco de A Coruña, la sala Rivadavia de la Diputación de Cádiz, el Museo Cruz Herrera de La Línea de la Concepción o El Castillo de Santa Catalina en Cádiz, entre otros espacios.
Especialmente sensible a las sinergias con otras artes y expresiones creativas, ha desarrollado proyectos escenográficos como la pieza “Corpos son creación” de la compañía Experimenta Danza, el Concierto Extraordinario 40º Aniversario: Ciclo de Becarios o el concierto de Cristina Pato de apertura del Seminario The 5th EFC Summer Academy on Philanthropy estos últimos en las sedes de Vigo de la Fundación Pedro Barrié de la Maza. Tiene obra en colecciones como la de la Fundación Pedro Barrié de la Maza, Fundación Nova Caixa Galicia o Caja de Segovia. 
Tras ‘La Diva’, proyecto artístico-narrativo que engloba una serie de dibujos de grandes dimensiones, instalaciones y pinturas comenzado durante su residencia en el centro Glogauair de Berlín, trabaja ahora en ‘The Cabinet of Cándida Standwick’. Una suerte de spin-off que parte de los motivos de la serie anterior para plantear un debate sobre la intimidad, las máscaras y la identidad.


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R10


Jorge Rodríguez Diez (La Habana, 1969) "es uno de los diseñadores y artistas visuales cubanos contemporáneos que han estado verdaderamente interesados ​​en reflejar y cuestionar el pasado tan conflictivo y doloroso de nuestra isla. Utiliza para ello el diseño de las revistas de esos tiempos y el reciclaje de imágenes típicas de la historia cubana que siempre logran establecer un diálogo cercano con la realidad actual. Por lo tanto, R10 -por el nombre que se dio a sí mismo- indica que no es sólo un cronista del pasado, sino también un protagonista activo del presente, un crítico implacable. El pastiche posmoderno, la ironía y el sarcasmo se han convertido en estrategias discursivas ineludibles en su obra, dispositivos detrás de los cuales el artista se protege para expresar las situaciones más complejas de la actualidad cubana. Siendo ya una figura destacada en el ámbito de las artes visuales cubanas, R10 ha logrado recrear su propio estilo de gran riqueza visual y profundidad metafórica" - Avistamientos (Cuba).

Graduado del Instituto Superior de Diseño en 1995. Sus carteles han sido incluidos en Diseño de Fin de Siglo; Gráfica cubana 1990-2000 (Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, La Habana, 2001); Cuba Gráfica (ICOGRADA, Casa de las Américas, La Habana, 2007); XXI Bienal del Cartel de Varsovia (2008); The Seattle-Havana Poster Show (Centro de Desarrollo de las Artes Visuales, La Habana, Seattle, 2008); Junge Szene Kuba; Grossformatige Arbeiten auf Papier; Videos, Plakate (Pasinger Fabrik, Múnich, 2011); y Gritos en la pared (Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, 2013). En 2007, el cartel de El cine alemán se muda al Acapulco fue elegido Cartel Cultural del año por el Club de Amigos del Cartel (CaCA), reconocimiento obtenido el siguiente año por el cartel La cosa está clarísima, también Premio en el XVII Salón de la Ciudad, La Habana. 

En paralelo a su carrera como diseñador, viene ampliando su perfil hacia el mundo del arte, explorando distintos medios –video, serigrafía, pintura e instalación– desde los códigos de la gráfica. En 2009, realiza su primera exhibición personal (Rorschach, Centro de Desarrollo de las Artes Visuales, La Habana); y posteriormente exhibe en Sencillamente Korda (Memorial José Martí, La Habana, Vila Real de San Antonio, Portugal, 2010); SinBolos (bipersonal, con Adriana Arronte, Lloyd´s Register, La Habana, 2011); ¡Ay qué delicia, doña! (personal, Galería de la Biblioteca Pública Rubén Martínez Villena, La Habana, 2011); Review (Galería Orígenes, La Habana, 2011); Exhibición de Arte Cubano (Museo de Arte de Daejeon, Corea del Sur, 2011); Escucha el silencio (Galería Collage Habana, La Habana, 2012); Lost (personal, colateral a la Oncena Bienal de La Habana, La Cabaña, 2012); HB (colateral a la Oncena Bienal de La Habana, Pabexpo, 2012); KRteles (Galería La Acacia, La Habana, 2012); Backup Files (personal, Centro de Arte Moderno de Icheri Sheher, Baku, Azerbaijan, 2013); D Disegn,. Respuesta Cubana (Factoría Habana, La Habana, 2013); POP UP Cuban Art ( Columbus Cultural Arts Center, Ohio, 2013); Cuba libre: Exhibition of Art and Life under the Castros, (Hilton Columbus Downtown, Columbus, Ohio, 2014);  Flower & Hewes, Art Vault Unlimited Contemporary Fine Art Gallery, Malibu; CA´From far away; ABRA Gallery, Bay Harbor, FL; Autopia: Road Trips from the Cold War to the Present; Audrey Love Gallery, Bakehouse Art Center, Miami; entre otras. 

Reseñas y críticas sobre su trabajo han sido publicadas por varias revistas especializadas. Su obra está representada en colecciones privadas de Cuba, Estados Unidos, Brasil, Reino Unido, Alemania, Italia, España, Noruega, Nueva Zelandia y Australia.


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MR. CHAPU


Lo que caracteriza el arte de este joven creador es su versatilidad y su heterodoxia con toda clase de técnicas y materiales. Pintura, cobre, mármol, plástico y el tatuaje comprenden todo un abanico de posibilidades expresivas donde Rodríguez Trigueros esculpe con desenfado, sin omitir un grado de acritud notable ante el mundo que nos rodea, una serie de rostros, cabezas y tótems que se caracterizan por su deformidad grotesca, superando la ortodoxia de la caricatura americana; nos adentramos así en un terreno de exploración cercano al esperpento y al expresionismo.

Su trabajo por Latinoamérica y un empeño continuado por reflejar su capacidad pictórica en cualquier superficie mueven a este creador a componer su particular imaginario a través de murales, tatuajes, vallas publicitarias, escaparates y fachadas, consiguiendo así una obra dispersa por el mundo y con una marca personal genuina. Analogías con la estética de Tim Burton y un tributo implícito a lo picassiano influyen en su obra, escenas y figuras significativas por ese surrealismo que no renuncia a moldes clasicistas. “ - Manuel García Pérez

Licenciado en Bellas Artes por la facultad Alonso Cano de Granada, y especializado en escultura por la facultad de Bellas Artes de Sevilla el año 2007, José Manuel Rodríguez Trigueros (de su nombre artístico MR. CHAPU) hizo un curso de dibujo y escultura en bronce impartido por Venancio Blanco en el Patronato Municipal Adolfo Lozano Sidro, el 2008.

Aunque sólo organizó exposiciones  individuales a partir de 2013 en salas de Granada, Torrevieja y Alicante, ha conseguido varios primer premios entre ellos: la Bienal Internacional de Escultura “Antonio González Orea” (2008), la III Semana de Escultura Rural en Mármol de Purchena (2008), el Premio Artifex 2010, el Concurso de Graffiti Aquapark de Lanzarote (2010), el Concurso Graffiti en las Olimpiadas de Ocio de Lorca (2010), y el Premio Hip-Hop Street Vícar de Almería (2012).

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PÉREZ SOLER


“La pasión por la moda es lo que inspira Pérez Soler en su proceso creativo y es la razón por la que la tela es el material con el que más se identifica, llegando a plasmarlo y transformarlo para conseguir efectos inesperados e impactantes, así como una gran variedad de texturas únicas. Esculturas que nacen de un profundo proceso de investigación sobre el utilizo y la combinación de diferentes materiales, en las que destaca el uso de la tela de algodón sobre madera y policarbonato.”

Carlos Pérez soler nace en Barcelona el 1962. El recorrido del artista Barcelonés empieza en el mundo de la moda, donde trabaja como director artístico para los fashion show de la
Fédération Française du Vêtement en París, lugar que ha acogido los desfiles de las más conocidas casas de moda, cuales Yves Saint Laurent, Christian Dior, Lanvin, Givenchy, Thierry Mugler, and Balmain. De 1995 a 2005 es director artístico del departamento de moda de algunos de las principales revistas y cotidianos españoles: Man, Woman, Hola, El Mundo, La Vanguardia, El Periódico y La Razón.

Después de haber trabajado temas clásicos y mitológicos, nos presenta la serie
Tauromaquia: obras de gran formato, inspiradas en una de las tradiciones más identificativas de la cultura española. El mundo de los toros y de los toreros, encuentra con Pérez Soler una nueva forma, elegante e inesperada, dictada por una libertad expresiva manifiesta gracias al utilizo de pintura metalizada y de colores flúor, que confieren a las piezas un impacto visual extraordinario.

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ALBERTO COB


“Nuestro valor más preciado…el tiempo. Nos movemos en él, nuestra vida entera se determina a razón de su caminar, es imparable e inaccesible a nuestros bolsillos y tan solo nos permite retenerlo en nuestra memoria. Esto fue lo que me llevo a la fotografía, el poder capturar esos momentos que hacen de la vida un instante único e irrepetible,  segundos de realidad congelados en un fotograma.  El tiempo pasa y nunca vuelve atrás, de ahí, que no existan dos fotografías iguales. Podemos acudir a un mismo lugar, a la misma hora y con la misma luz, pero nunca tendremos una misma instantánea."

 

La fotografía me ha permitido tomar prestadas fracciones de la vida, donde la realidad siempre supera a la ficción, y ya que no puedo parar el reloj universal, me tomo la libertad de adueñarme de los momentos mágicos que nos brinda. “- el artista

 

Alberto Cob realizó varios cursos especializados de fotografía del 2009 a 2012 impartidos por Olga Barra, Antonio Aragón Renuncio, y la Escuela Superior de Imagen y Sonido.  A partir de entonces participó en exposiciones en la Feria Entrefotos (2013), el Arsenal de Venecia (2014), en Arte Lateral Velázquez 53 (2015), en Clorofila (2017), en Art Fair Málaga (2017) y como representación española en el Festival Internacional de Fotografía de Lishui, China (2013).

 

Ha ganado varios concursos de fotografía entre ellos, el 1er Premio de fotografía del Concurso Nº13 Cultura Fotográfica (2012), el 3er Premio XVIII Concurso Fotografía Turística Taranna (2012), el 1er Premio “mejor fotografía“ Reflexiva (2013),  y llegó finalista en 2012 en los International Photography Awards y  los FEP Awards; en 2013 en los premios ORA de Italia, la Fería EntreFotos y el Premio Nacional de Fotoperiodismo; en 2014 en Mirartephoto y Arte Laguna; y en 2016 en la Feria Entrefotos y el Catálogo de Flamante; aparte de la Mención Honorífica en el Photographer’s Forum Magazine de Santa Bárbara, Califórnia en 2013. 

 

Recientemente, ha integrado la revista DNG Photo Magazine como Select Photographer, y ha quedado finalista en los SIENA International Photo Awards, los Premios de fotografía de la Fundación Vila Casas, y el festival internacional de fotografía y artes visuales PHOTOESPAÑA. 

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MARILENA BARQUERO


Sao Paulo, 1971. A finales de los 70, regresa con su familia a Barcelona.  

Atraída por el mundo de las Artes Plásticas, inicia con 18 años sus primeros estudios de Dibujo y Pintura  en el taller del maestro Francisco Valderrama. Luego ingresa en la Escola Massana de Barcelona donde ya descubre su atracción por el retrato. Ha expuesto sus obras durante más de 25 años en Barcelona, Madrid y Florencia, dejando aparente la exclusividad de sus retratos y encargos a nivel internacional. 

Aparte de su labor como artista plástica, proyecta vestuario para varias obras de teatro y ha ganado el premio Xarxa de teatro infantil por una adaptación para niños de La Flauta Mágica de Mozart. Además ha diseñado el vestuario del espectáculo para la presentación del centro comercial L’Ànec Blau de Castelldefels, y el cartel anunciador de la Fiesta Mayor de Gavá, su ciudad, tras haber recibido el primer premio del concurso en 1999.

Su incesante inquietud le lleva a realizar estudios de Visual Merchandising y, durante 15 años, compagina su actividad de artista plástica con la decoración de interiores, otra de sus pasiones, y acaba creando su propia empresa de decoración. Destacan las colaboraciones  en el proyecto Modwit de casas modulares y la decoración de la villa Ghizé (Doha).

En los últimos años se introduce en el mundo del Digital Art donde realiza retratos no al uso. En este campo, descubre rasgos de la personalidad, pasiones o circunstancias del personaje, ofreciendo exclusividad y exquisitez. Destacan el mural artístico de 30 metros para el proyecto The Secret Garden del arquitecto Artur Bossy, y la serie de retratos Albert por su gran delicadeza y sensibilidad.

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JOSÉ PARRA


“Soy artista desde que nací.” Dice José Parra (Tánger), artista autodidacta que desde siempre se ha relacionado con el arte, con observar, pensar, y realizar lo que visualiza en su mente. Por ejemplo su colección de móviles están basados sobre el equilibrio y parecen objetos “dibujados en el aire”. Después de la guerra civil española, sus abuelos se exiliaron de Almería a Tánger. Por esta razón, dedica una obra, que es un móvil de luz, a esta ciudad donde nació. Luego sus padres se trasladaron a Barcelona con una maleta y 33.000 pesetas, y donde su padre encontró trabajo como encuadernador.

Disfruta mucho realizando una obra, porque le permite experimentar e intentar llegar a la perfección. Muchas de sus obras desafían las leyes físicas de la naturaleza. Su producción artística se clasifica por familia, con una dimensión humana porque afirma que “el infinito no existe ya que es relativo”. Diseña sistemas y procesos hasta conseguir un movimiento continuo, pero no infinito. Es complicado definir lo que le inspira, porque al comenzar tiene una idea, pero en acabar la obra es muy distinta. Se identifica personalmente a una caña de bambú, que es muy resistente pero también muy flexible. A ejemplo de Leonardo de Vinci, su artista preferido, inventa buscando cómo vencer las leyes científicas, pero con un acabado estético muy propio. 

Su arte es terapéutico en la medida que mejora su estado cuando trabaja, y dice que “el arte es muy relajante”. El Parkinson tiene fases ON y OFF,  según el efecto del tratamiento. Se siente más cómodo cuando trabaja en fase ON, pero valora mucho más el esfuerzo en fase OFF porque aunque cuesta más, es mucho más satisfactorio. El tratamiento médico no afecta a su creatividad, lo único es que le permite más capacidad y puede dedicar más tiempo para realizar sus obras. 

El equilibrio es muy importante en sus obras porque puede lograr objetos sencillos pero bellos, retando las leyes físicas. Le obliga a pensar más, para ir más allá dentro de un mundo que se va volviendo cada vez más digital. Pero sigue pensando que “la imaginación es lo más importante en este mundo” …

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XAVI RAICH


 

ARTISTA EN ESTUDIO PARA PRÓXIMA EXPOSICIÓN
"Sólo puedo crear obras que encajen en mi entorno"

 

Xavi Raich (xraich). Escultor autodidacta nacido en Barcelona y afincado en Madrid, su obra se centra en la exploración de la figura humana a partir de materiales estructurales más propios de la arquitectura que del arte, como el hormigón y el hierro.

Sus referencias e inspiración provienen además de la ya mencionada arquitectura, del diseño gráfico, la publicidad, el cine, la moda, la cultura pop y en definitiva de todo aquello que despierte su instinto de observador compulsivo. Dichos materiales, duros y fríos, los combina con su pasión por los textos y la tipografía, grabando sus obras de estética clásica con mensajes contemporáneos que pretenden llevarnos un paso más allá de su mera contemplación como objetos artísticos y que nos hacen partícipes del juego de la confrontación de lo antiguo y lo moderno. 

Recientemente, sus obras han sido expuestas en numerosas ferias de arte en España, Francia, Italia, Alemania y Luxemburgo.

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MARTIN ENGLER

22/05/2017
“Cuando no podemos resolver el vacío del mundo, hay que obligarse a rebajarlo a su propia escala de valores. Martin Engler, con grandes refuerzos de diversas técnicas, le da una dimensión propia. El mundo no es un todo del que fácilmente podríamos identificar los contornos; su obra sólo trasciende esta diversidad. Es en vano que la buscamos para definirla y mejor restringirla. Las apuestas son altas, ya que es la libertad artística. Martin no sigue ninguna línea particular, va a donde conduce su deseo de crear. A los que le tildarían de una consistencia a menudo oportunista, el artista les opone la fuerza motriz de su talento. Cualquier camino ideal está condenado al aburrimiento. Si no hay ningún lugar adonde ir, ¿por qué querer acceder por la ruta más corta? Como buen nómada, Martin se toma el tiempo de la contemplación. Es aquí y ahora que están pasando las cosas esenciales.”- Lionel Chiuch; crítico de arte.

Martin Engler (1953) nació en Grabs (SG), Suiza. Ahora vive en Ginebra. Habiendo estudiado el arte en Zurich, desarrolló diversas técnicas: mixtas, óleos, collages, esculturas y bronce. Realizó "retratos corporativos" para personalidades y empresas privadas - y así nació la comunicación a través del arte. Sus obras son instantáneas de deambulación emocional, que une el mundo del arte y la vida cotidiana en la misma corriente. Su "retratos vivos" transparentes dejan suficiente espacio a la fantasía del espectador para permitir que se dé el juego libre a la constitución de su propia realidad. En 2008, Martin Engber descubre en La Habana, Cuba, técnicas antiguas de Colografía y Mono-tipográfica. Participó en la Décima Bienal de La Habana, una experiencia relatada en el documental "Cuba, la caja fuerte abandonada", que fue transmitido por la televisión suiza y en TV5 en 2014-15. La obra de Martin Engler fue expuesta en la mayoría de los continentes. Es parte de todas las colecciones de prestigio y ha sido objeto de una venta en Christie's.


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